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“The Eternal Frame” by Ant Farm.

The Eternal Frame es una pieza de video que documenta la reconstrucción del asesinato de John F. Kennedy, en una colaboración entre dos colectivos de artistas con sede en San Francisco: TR Uthco y Ant Farm.

El colectivo Ant Farm realizó un innovador trabajo contracultural en los medios de comunicación, la arquitectura y el espectáculo de los años 1960 a 1970. Sus eventos mediaticos, performances y videos fusionaron el humor irreverente del pop con la crítica cultural y política
En The Eternal Frame realizaron la examinación del papel que juegan los medios en la creación de la mitos históricos modernos. Para los realizadores, el evento emblemático que significó la conspiración final del espectáculo histórico y la imagen de los medios de comunicación fue el asesinato del presidente Kennedy en 1963.
La obra consiste en la recreación del asesinato, un documental de burla, y, quizás más insidiosa, una simulación de la película de Abraham Zapruder (un transenuente que se encontraba en la ruta del desfile y captó el momento del asesinato) llevada a cabo en la Plaza Dealey, en Dallas – el sitio real del asesinato – la recreación provoca respuestas extrañas de los espectadores, que reaccionan a la simulación como si fuera el caso original. Esta pieza puede ser vista como un comentario sobre la omnipresente cultura de los medios en Estados Unidos y su obsesión por estos, ya que explora cómo el asesinato de Kennedy se convirtió en un nuevo tipo de evento para los medios.
A través de una deconstrucción de la imagen fílmica, los artistas subrayan la importancia de los medios de la mitología contemporánea – en la que la grandeza es más una medida de drama que de fondo – y el grado en que puede ser manipulado. A la luz de la transformación televisiva del sistema político estadounidense – y la elección posterior de una estrella de cine a la presidencia – The Eternal Frame sigue sonando un acorde veraz e inquietante en la conciencia americana.
Para ver el video “The Eternal Frame”: The Eternal Frame by Ant Farm
Dejó un artículo que encontre interesante sobre la noción de performance: Performance, fotografía y video: la dialéctica entre el acto y el registro

Transmisión “En vivo” y el video-arte de Paik.

Nam June Paik  fue un famoso compositor y videoartista surcoreano de la segunda mitad del siglo XX, trabajo con diferentes medios y se le considera el primer video-artista, el legado que dejó Paik a ha sido realmente global y su impacto en el arte del vídeo y la televisión ha sido profundo.

La prolífica y compleja carrera de Paik se puede leer como un proceso basado en los principios de composición e interpretación, estas nociones le ayudarían a darle forma y plasmar sus ideas artísticas en los medios en un momento de la historia en que la imagen electrónica en movimiento y las tecnologías de los medios de comunicación se hacían cada vez  más presente en nuestra vida cotidiana. A su vez,  la cultura de los medios de finales del siglo XX fue testigo de su extraordinaria carrera e influyeron en la redefinición de la televisión abierta y la transformación de video como un  medio artístico.

La mezcla de la televisión convencional y el arte de vanguardia era un acto de equilibrio típico de Paik.

…Se le preguntó qué le diría a San Pedro a las puertas del Reino de los Cielos, Paik al instante respondió que este show en vivo era su «contribución directa a la supervivencia humana y él me dejó entrar»

Nam June Paik

Good Morning, Mr. Orwell consistió una transmisión en vivo de varios artistas realizando performances simultáneamente en diferentes lugares, la señal era compartida entre WNET TV en Nueva York y el Centro Pompidou de París, conectando la señal con las emisoras en Alemania y Corea del Sur, el show alcanzó una audiencia de 25 millones de espectadores.

En 1984, novela que escribió George Orwell (ensayistas ingles, conocido por dos novelas críticas sobre el totalitarismo: La Rebelión en la granja, y 1984,) se ve a la televisión del futuro como instrumento de control en manos de El Gran Hermano en un estado totalitario Paik, inconforme con la percepción de la tecnología y los medios de Orwell, realiza una instalación satélite internacional refutando la visión distópica del inglés. El artista surcoreano estaba dispuesto a demostrar la capacidad de televisión por satélite para servir a fines positivos, tales como el intercambio intercontinental de la cultura intelectual y la combinación de ambos elementos de entretenimiento.

Para más información sobre Nam June Paik, vida y obra: Nam June Paik´s Offcial Website

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La sociedad del Espectáculo de Guy Debord.

“En el lenguaje de la contradicción la crítica de la cultura se presenta unificada: en cuanto que domina el todo de la cultura –su conocimiento como su poesía- y en cuanto que ya no se separa más de la crítica de la totalidad social. Es esta crítica teórica unificada la única que va al encuentro de la práctica social unificada.”
 

Guy Debord, francés, teórico, escritor, cineasta y miembro de hueso colorado de la Internacional Situacionista, fue responsable de otorgar las ideas fundadoras de el grupo situacionista conformado por intelectuales y artistas. Su objetivo central era hacer una fuerte crítica a la modernidad post-Segunda Guerra Mundial, destruir los valores burgueses en los que había caído la sociedad y combatir la ideología imperante, el capitalismo, por considerarla opresora.

La Internacional Situacionista fue un movimiento vanguardista en el que lo político y lo artístico se fusionaron para tratar de superar las condiciones de separación de la vida a las que nos somete la sociedad capitalista avanzada.

La societe du spectacle fue un texto donde Debord creó una obra teórica-crítica sobre el capitalismo moderno, el imperialismo cultural y el papel de los “medios” en la relaciones sociales, misma que realizaría a manera de film utilizando el recurso del “material encontrado” para construir su discurso.

En este film de 88 minutos, Debrod intentó explicar el debilitamiento de las capacidades espirituales en el curso de la modernización de las esferas privadas y públicas de la vida cotidiana, integró en su discurso filosófico, criticas marixistas  sobre la sociedad moderna y la alienación de esta última derivada de la seducción del capitalismo consumista.

“Que se nos dejen de admirar como si fuésemos superiores a nuestra época; y que la época se aterre admirándose por lo que es”   

                                                               Guy Debord y Gianfranco Sanguinetti     
 
 
Para más infromación sobre la Internacional Situacionista y Guy Debord: Nothingness.org
La Internacional Situacionista. Auge y caída de la crítica a la sociedad espectacular
Para más información sobre el método experimental del “material encontrado” David Bordwell  recomienda el libro: Recycled Images: The Art and Politics of found footage films de William Wees  
       


Welcome to “The Factory”.

“En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos”

  “Andy Warhol hasta en el Photo Booth…literal”  

Andy Warhol desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art, adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra. El retrato, la fama, la repetición, la serialidad y la multiplicación de las imágenes fueron los temas más importantes dentro de las obras de Warhol, entrelazándolo con la manipulación de la tecnología de los medios de comunicación.

Outer and Inner Space es una película de 16mm sobre Edie Sedgwick sentada frente a un monitor de televisión en el cual se está emitiendo una imagen pregrabada en video de ella misma. En la cinta de video, Edie se encuentra situada en el lado izquierdo del encuadre, mirando hacia la derecha: está hablando a alguien que no vemos fuera de campo situado hacia nuestra derecha. En el filme, la «real» o «verdadera» Edie Sedgwick está sentada en el lado derecho del encuadre, con su imagen en video tras de sí, y está hablando a una persona situada fuera de campo a nuestra izquierda. El efecto de este montaje es el de crear en ocasiones la extraña ilusión de estar viendo a Edie conversando consmigo misma en la imagen en video.

Los medios del video proporsionaron  a Warhol un enlace para volver a su propia práctica como pintor y encontró a la vez, caminos para llegar más lejos expandiendo sus propias filmaciones hacia el nuevo formato de dobles o múltiples pantallas de proyección que destacarán sobre todo en su posterior trabajo en cine.

“I think of myself as an American artist; I like it here, I think it’s so great. It’s fantastic. I’d like to work in Europe but I wouldn’t do the same things, I’d do different things. I feel I represent the U.S. in my art but I’m not a social critic. I just paint those objects in my paintings because those are the things I know best.”

Andy Warhol from “My True Story”

 

Para más referencia sobre la obra de Andy Warhol: The Andy Warhol Museum

David Lynch y el surrealismo norteamericano.

SIX MEN GETTING SICK (1966)

“57 segundos de desarrollo y pasión, y tres segundos de vómito”

THE ALPHABET (1968)

“Ahora os he contado mi ABC, decidme que pensáis de mi”.

David Lynch es uno de los directores más representativos de la ola cinematográfica estadounidense, siendo pintor y cineasta, se ha caracterizado por crear historias dramáticas y de suspenso con un contenido extremadamente profundo y complejo, la  atmósfera que crea mediante la decoración, el vestuario, el maquillaje, la fisonomía de los actores e incluso la música tiene un resultado inquietante.

 Todo lo bello y tranquilo son máscaras de la realidad y David Lynch las desprende una a una, sus películas no son una visión pesimista, sino una recolección de elementos que vistos en conjunto, resultan perturbadores. El cineasta descubre los vicios, fobias, misterios y crueldades que contiene la sociedad, en particular la americana, y las envuelve en una estética surreal para ayudarnos a comprender lo más profundo de nosotros mismo.

 


El cine de vanguardia…

En todas las cuestiones filosóficas, artísticas o cualquier cosa que se relacione al término cultura, ha existido la reacción opositora a una idea, el cambio es algo inminente en los seres humanos y en el pensamiento de este, las ideologías cambian, se reinventan o se desechan por otras. Siempre estamos en un constante reacomodo del mundo, explorando, ideando, probando… creando.

Las Bellas Artes, consideradas como medios de expresión simbólicas, han estado influenciadas a lo largo de la historia por la ideología dominante de la época; pintores, escultores, músicos, etcétera, han plasmado las bases de los diversos movimientos artísticos en sus obras, el brinco de los artistas plásticos clásicos hacia una nueva tendencia expresiva innovadora como lo fue el cine y la adaptación de las formas plásticas a este, marco la pauta para una nueva generación de cineastas experimentales que abrieron el panorama del cine como una forma de expresión ideológica y no únicamente como una herramienta de captura.

             Fernand Leger (Pintor francés cubista)

Un caleidoscopio experimental, Ballet Mecanique, en una obra sin una narrativa clara, pero el argumento que Leger maneja en el film va encaminado hacia el desarrollo de la iconografía de la maquina y la fascinación por las formas geométricas (como buen cubista que fue). Es una especie de ensayo sobre el movimiento y  una reflexión sobre la reconciliación entre lo metálico y lo orgánico, entre la maquina y el humano.

El cine experimental o de vanguardia busca, de manera intencional, ser reconocida como una alternativa a las perspectivas ortodoxas cinematográficas o, dicho de otra forma, reniega del “cine dominante” o “la tendencia principal” y reacciona ante estos parámetros establecidos.

Viking Eggeling (Artista dadaísta)

Considerada como uno de los pilares del arte cinético (corriente artística basada en la estética del movimiento) Symphonie Diagonale es un film ligado a la corriente dadaísta realizado a partir de dibujos geométricos sobre la película, estos dibujos adquieren un ritmo hipnótico a pesar de la simpleza de los trazos, Eggeling experimenta con la estética del movimiento y aprovecha el recurso de formas simples para crear Música visual.

El cine de vanguardia es una manera que tiene muchos pensadores, intelectuales y artistas de manifestar sus ideas o creencias, así como también, es una forma de experimentar con los recursos que el medio utiliza, con las formas y los con los procesos de creación.

Dziga Vértov (cineasta de vanguardia ruso)

El cine ruso ha destacado por ser una fuente de experimentación, los autores han implementado no solo ideologías en sus obras sino también sus propias reglas, han jugado con lo establecido, innovando y experimentado en la creación de nuevos significados.  El montaje ha sido un elemento que está en constante renovación en el cine ruso y es un recurso que nunca ha sido subestimado más bien, ha sido extremadamente valorado y utilizado.

Vértov experimento las posibilidades del montaje en su film El hombre de la cámara, donde trató de realizar un análisis de las relaciones sociales mediante el recurso de la yuxtaposición de imágenes cargadas de significados profundos relacionados entre si.